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# museums

name: {"it":"Museo Nivola","en":"Nivola Museum"}
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  {"it":"Il Museo conserva la più importante collezione al mondo delle opere di Costantino Nivola tra sculture e dipinti, più di 200 opere acquisite attraverso successive donazioni. La scelta iniziale, compiuta dalla vedova dell’artista Ruth Guggenheim, ha privilegiato l’opera scultorea di Nivola e particolarmente la fase finale del suo percorso, caratterizzata da un ritorno alla statuaria – con la serie delle Madri e delle Vedove – e ai materiali nobili della scultura tradizionale.","en":"The Museum houses the world's most important collection of Costantino Nivola's works, including sculptures and paintings, more than 200 pieces acquired through subsequent donations. The initial selection, made by the artist's widow, Ruth Guggenheim, favored Nivola's sculptural work, particularly the final phase of his career, characterized by a return to statuary—with the Mothers and Widows series—and the noble materials of traditional sculpture."}


# posts

name: {"it":"Introduzione","en":"Introduction","fr":"Introduction"}
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  {"it":"Titinu: «Oh ciao! Non vi avevo notato! Vi state guardando intorno curiosi o vi state chiedendo che strano posto è questo? In effetti anche io, la prima volta che sono arrivato ero un po’ stupito. Era la prima volta che notavo questa breve scala che scendeva verso un giardino silenzioso. Mi sembrava un posto interessante e così, subito, mi ci sono infilato. Mi è sembrato subito un posto magico, un po’ misterioso e nascosto rispetto a tutti quelli che passavano, in macchina o a piedi, sulla strada lì  vicino. Arrivato nel giardino mi sono guardato intorno: avevo ragione, quel posto non  era come tutti gli altri! Gli alberi, dalle foglie scure, mi proteggevano dal sole e  tutt’intorno correvano dei piccoli canali con dell’acqua ma non era quello a stupirmi di  più. Voltandomi a destra e a sinistra vedevo delle figure silenziose: statue  completamente bianche o nere, altre che non capivo bene cosa raffigurassero. A quel  punto un po’ di curiosità mi era venuta: in che posto ero capitato? Cosa  rappresentavano quelle statue? Alcune mi ricordavano delle persone, ma non ero  proprio sicuro. Dovevo assolutamente indagare! Così ho camminato fino alla porta,  sono entrato e ho sceso le scale. In quelle due sale c’era di tutto: quadri con mille  dettagli e bandiere piccolissime, così piccole che quasi non le vedevi, strane sculture  con delle corna e il pianeta terra tutto ricoperto di piccole figurine di bronzo! Anche i  materiali erano un po’ strani e non mi sembravano quelli che usiamo quando facciamo  le ore di arte: c’era il ferro, dei tessuti e persino delle sculture in cemento: come quello  dei muri o dei marciapiedi. Ci ho messo un po' a mettere ordine le idee, ho dovuto chiedere a un po’ di persone e sono tornato più di una volta. Ora  potrei quasi definirmi un esperto! Ho scoperto che tutte quelle opere, tutti quegli oggetti  strani, avevano un significato profondo ma semplice, che chiunque può capire. Come  se non bastasse dietro c’erano delle mani speciali: le mani di un uomo coraggioso con  una vita davvero avventurosa. Per saperne di più dobbiamo scendere le scale.. Ah, aspettate, non vi ho raccontato nulla su di me: Orani è la mia casa e io abito  proprio qui vicino, in fondo alla strada. La mia famiglia e i miei amici mi chiamano tutti  Titinu, potete chiamarmi così anche voi. Ora entriamo, vi faccio conoscere una persona  speciale.»","en":"Titinu: \"Oh hello! I hadn’t noticed you! Are you looking around out of curiosity or are you wondering what kind of unusual place this is? Actually, even I was a bit surprised the first time I came here. It was the first time I noticed this short staircase leading to a quiet garden. It seemed to me like an interesting place, so I slipped inside right away. It immediately struck me as a magical place, a bit mysterious and hidden from all passers-by, by car or on foot, along the road running beside it. Once inside the garden, I looked around: I was right, this place is unlike any other! The trees, with their dark leaves, protected me from the sun and all around ran small channels of water, but that was not what surprised me the most. As I turned to the right and the left, I saw silent figures: entirely white or black statues, and others whose forms I could not distinguish. By then, my curiosity was piqued: what kind of place had I wandered into? What did these statues represent? Some of them remind me of people, but I wasn’t entirely sure. I absolutely had to find out! So, I walked to the door, went inside and went down the stairs. Those two rooms contained everything: paintings with thousands of details and tiny flags, some so small I could hardly see them, strange sculptures with horns and planet earth entirely covered with minute bronze figures! Even the materials were somewhat unusual and they did not look to me like the materials we normally use in art class: there was iron, textiles and even concrete sculptures: like those used in walls or pavements. It took me a while to order my thoughts; I had to ask quite a few people and I came back more than once. By now, was almost an expert! I realised that all these works, all these strange objects, had a profound but simple meaning, that anyone could understand. As if that were not enough, there were some special hands behind it: the hands of an courageous man who led an adventurous life. To find out more, we must down the stairs.. Oh, wait, I haven’t told you anything about myself yet: Orani is my home and I live close by, at the end of the street. My family and friends all call me Titinu, and you can also call me that. Once we go in, I will introduce you to a special person.\"","fr":"Titinu: «Salut! Je ne vous avez pas vus! Vous jetez autour de vous un coup d’oeil plein de curiosité ou vous vous demandez quel est cet endroit étrange? Je dois avouer que la première fois que je suis venu ici, moi aussi j’étais un peu étonné. Je n’avais jamais remarqué ce petit escalier qui descend vers ce jardin silencieux. Cet endroit m’a semblé intéressant et j’ai eu tout de suite envie de le visiter. J’ai eu  l’impression que c’était un lieu magique, un peu mystérieux, à l’abri des passants ou des gens qui le longeaient en voiture. Une fois arrivé dans le jardin, je me suis dit que j’avais eu raison : ce n’était pas un endroit comme les autres! Les arbres, avec leurs feuilles sombres, me protégeaient du soleil et il y avait, tout autour, de petits canaux remplis d’eau, mais ce n’était pas cela le plus étonnant. A ma droite et à ma gauche, il y avait des figures silencieuses, des statues entièrement blanches ou noires et d’autres dont je ne comprenais pas exactement ce qu’elles représentaient. Là, j’ai vraiment commencé à me demander : où suis-je? Que représentent ces sculptures? Certaines d’entre elles auraient pu représenter des figures humaines, mais je n’en étais pas entièrement sûr. Il fallait absolument que je mène mon enquête! J’ai donc marché jusqu’à la porte, je suis entré et j’ai emprunté l’escalier. Ces deux salles contenaient toutes sortes de choses : des tableaux avec une infinité de détails et de tout petits drapeaux, presqu’invisibles, d’étranges sculptures avec des cornes et le globe terrestre recouvert de figures en bronze! Les matériaux aussi étaient assez étranges : ils ne ressemblaient pas à ceux que nous utilisons à l’école, pendant les cours d’arts plastiques. Il y avait du fer, des tissus et même des sculptures en béton, le béton  que l’on utilise pour construire des murs ou des trottoirs. Il m’a fallu un peu de temps pour comprendre, j’ai du poser des questions à des gens  et je suis retourné là-bas plusieurs fois. Maintenant, je suis presque devenu un expert! J’ai découvert que toutes ces œuvres, tous ces objets étranges avaient une signification à la fois profonde et simple, que tout le monde pouvait  comprendre. Et derrière tout cela, il y avait le travail, tout à fait spécial, d’un homme courageux, qui avait eu une vie aventureuse. Pour en savoir plus, il faut descendre ces marches... Mais, attendez une minute, je ne vous ai rien dit de moi : je vis à Orani, j’habite au bout de la  rue. Tout le monde m’appelle Titinu : vous aussi, vous pouvez m’appeler comme ça. Entrons: je vais vous présenter une personne vraiment spéciale.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 0","en":"Detailed content of the collection post 0"}


created_at: 2025-12-31 11:51:56
updated_at: 2025-12-31 11:51:56
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  {"it":"Bozzetti per la decorazione murale dello showroom Olivetti a New York, 1953","en":"Sketches for the wall decorations for the Olivetti showroom in New York, 1953","fr":"Ebauche pour la décoration murale du showroom Olivetti à New York, 1953"}

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  {"it":"Titinu: «Rieccomi! Vi state chiedendo cosa sono queste figure? In che modo vanno guardate e in che strano materiale sono fatte? Capisco… anche io all’inizio avevo le stesse domande. Per ora posso dirvi solo che le ha create quella persona dalle mani speciali di cui vi raccontavo prima, il suo nome era Costantino Nivola. Ma per capirci qualcosa di più la persona a cui dobbiamo chiedere è Ruth: lei sa tutto.» Ruth: «Oh eccoti Titinu e dietro di te vedo alcune facce nuove! Che bello essere qui con voi e potervi raccontare delle avventure che ho attraversato e di Costantino, Antine come lo chiamavo io, che è stato con me in ogni momento. Il mio nome è Ruth Guggenheim. Come? Cosa dite? Vi sembra un cognome particolare? Beh, avete ragione! La mia famiglia era di origine ebraica e io sono nata in Germania in un anno che ora sembra lontanissimo: il 1917. Erano anni molto duri: anche se ero solo una bambina ricordo bene mio padre preoccupato perchè in Germania si moltiplicavano i crimini e le violenze contro gli ebrei. Così scappammo in Italia, senza sapere che anche lì i guai ci avrebbero raggiunto… ma questo ve lo racconterò più avanti. A quel punto non ero più una bambina ma una ragazza di 16 anni. Anche se avevo cambiato stato e città le mie passioni restavano intatte: mi interessava l’arte e adoravo creare. Così mi iscrissi all’Istituto d’Arte ed è stato proprio lì che ho incontrato Antine. Devo dire che notarlo non era difficile: in tutta la scuola, che era a Monza, c’erano solo tre ragazzi sardi che stavano sempre insieme ed erano uno più talentuoso dell’altro. Io e Antine ci siamo piaciuti subito e infatti poi non ci siamo più lasciati anche se venivamo da mondi molto diversi, lui da un piccolo paese della Sardegna e io da una grande città tedesca. Ogni opera di questo museo mi ricorda un momento diverso della nostra vita insieme. Qui, per esempio, Antine aveva appena ottenuto un lavoro importante. Provate a immaginare di essere sulla Fifth Avenue a New York, una delle strade più famose del mondo. Auto, taxi gialli, persone che camminano veloci, grattacieli altissimi. In mezzo a tutto questo, negli anni Cinquanta, c’era un negozio speciale della ditta Olivetti, dove si vendevano macchine da scrivere e calcolatrici, ma anche un’idea nuova di bellezza e di lavoro. Adriano Olivetti, il direttore, pensava che le persone, quando entravano in un luogo di lavoro, meritassero di trovare anche armonia, luce, bellezza. Per questo chiamò architetti e artisti moderni, e tra questi c’era proprio Antine. I bozzetti che vedi qui sono i suoi primi pensieri per decorare le pareti e i muri del negozio. Era un’idea rivoluzionaria: per vedere l’arte non si doveva più entrare in un museo ma era lì, mescolata alle cose di tutti i giorni. Ma ora andiamo avanti voglio mostrarvi un’altra opera…»","en":"Titinu: \"Here I am again! Are you wondering what these figures are? How are they meant to be viewed and from what strange material are they made? I understand… even I had the same questions at the beginning. For now, all I can tell you is that they were created by the person with the special hands, I already told you about, whose name was Costantino Nivola. But to understand something more about him, the person we have to speak to is Ruth: she knows everything.\" Ruth: \"Oh, there you are, Titinu, and I see several new faces behind you! How wonderful to be here with you and to be able to tell you about the adventures I have experienced and about Costantino, Antine as I used to call him, who was with me the whole time. My name is Ruth Guggenheim. What? What did you say? It seems to be an unusual surname? Well, you are right! My family was of Jewish origin and I was born in Germany in a year which now seems very long ago: 1917. Those were very difficult years: even though I was only a child, I well remember how worried my father was because in Germany crimes and violence against Jews were increasing. So, we fled to Italy, without knowing that that troubles would catch up with us even there … but I’ll tell you more about that later on. By this time, I was no longer a child but girl of 16. Even after changing country and city, my passions remained intact: I was interested in art and loved to create. So, I enrolled in the Art Institute and it was there that I met Antine. I must say, it wasn’t hard to notice him: in the entire school, which was in Monza, there were only three lads from Sardinia, each more talented than the last. Antine and I were drawn to each other immediately, and we were never parted after that, even though we came from very different worlds, he from a tiny village in Sardinia and I from a large German city. Every work in this museum reminds me of a different time in our life together. Here, for example, Antine had just landed an important job. Try to imagine being on Fifth Avenue in New York, one of the most famous streets in the world. Cars, yellow taxis, people walking fast, towering skyscrapers. In the middle of all this, in the fifties, there was a special shop owned by Olivetti, who sold typewriters and calculators, but who also a new idea about beauty and work. Adriano Olivetti, the director, believed that when people entered the workplace, they deserved to find harmony, light and beauty. This is the reason he called in modern architects and artists, among whom was Antine himself. The sketches which you see here are his first thoughts for decorating the walls and façades of the shop. It was a revolutionary idea: one didn’t have to go to a museum to see art but it was there, mixed in with everyday items. But let’s move on – I want to show you another work …\"","fr":"Titinu: «Me revoilà! Vous vous demandez ce que représentent ces figures? Comment il faut les interpréter et avec quel matériau elles ont été créées? Je vous comprends... moi aussi je me suis posé les mêmes questions, au début. Pour le moment, je peux vous dire seulement qu’elles sont nées du travail tout à fait spécial de cet homme dont je vous ai parlé plus tôt : il s’appelait  Costantino Nivola. Mais, pour en savoir plus, nous devons poser des questions à Ruth: elle sait tout.» Ruth: «Ah, te voilà, Titinu, et derrière toi je découvre de nouveaux visages! Je suis vraiment heureuse d’être ici avec vous et de pouvoir vous raconter mes aventures et aussi l’histoire de Costantino – moi je l’appelais  Antine – qui m’a suivie pas à pas. Je m’appelle Ruth Guggenheim. Qu’est-ce que vous dites? Mon nom vous paraît bizarre? Vous avez raison! Ma famille était d’origine juive et je suis née en Allemagne il y a très longtemps, en 1917. La vie était très dure, à cette époque: je n’étais qu’une enfant, et pourtant je me souviens très bien que mon père était inquiet à cause des crimes et des violences dont les juifs étaient de plus en plus souvent victimes en Allemagne. Nous avons donc fui vers l’Italie, sans savoir que nous rencontrerions, par la suite,  les mêmes problèmes dans ce pays... mais je vous raconterai cela après. Entre-temps, j’avais grandi, j’étais maintenant une jeune fille de 16 ans et, même si j’avais dû changer de pays et de ville, ma passion pour l’art était restée intacte et j’adorais créer. Je me suis donc inscrite à l’Ecole d’Art et c’est là que j’ai fait la connaissance d’Antine. Je dois dire qu’il était difficile de ne pas le remarquer : dans cette école, à Monza, près de Milan, il n’y avait que trois garçons sardes. Ils avaient tous les trois beaucoup de talent et ils étaient toujours ensemble. Antine et moi  avons tout de suite éprouvé une sympathie réciproque et nous ne nous sommes plus quittés, même si nous venions de deux milieux très différents : il venait d’un tout petit village sarde et moi d’une grande ville allemande. Chacune des œuvres présentées dans ce musée évoque un moment particulier de notre vie commune. Ici, par exemple, Antine venait d’obtenir une commande importante. Essayez d’imaginer : vous êtes sur Fifth Avenue, à New York, l’une des rues les plus célèbres au monde. Vous êtes entourés de voitures, de taxis jaunes, de personnes qui marchent rapidement, de très hauts gratte-ciels. Au milieu de tout cela il y avait, dans les années 50, un magasin de la société Olivetti, dans lequel on vendait non seulement des machines à écrire et des calculatrices, mais aussi un nouveau concept esthétique et un nouveau modèle de travail. Son directeur, Adriano Olivetti, était persuadé que les gens méritaient de trouver, à l’intérieur d’un lieu de travail, également de l’harmonie, de la lumière et de la beauté. Il a donc fait appel à des architectes et à des artistes modernes, parmi lesquels il y avait justement Antine. Les ébauches que tu vois ici reflètent ses premières idées pour la décoration des cloisons et des murs du magasin. C’était une idée révolutionnaire : il n’était plus nécessaire de visiter un musée pour voir de l’art. L’art était à portée de main, au milieu d’objets banals, de la vie courante. Mais, poursuivons. Je voudrais vous montrer une autre œuvre...»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 1","en":"Detailed content of the collection post 1"}


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  {"it":"Ruth e Pietro in cucina (Natura morta con Ruth Guggenheim), 1946","en":"Ruth and Pietro in the kitchen (Still Life with Ruth Guggenheim), 1946","fr":"Ruth et Pietro dans la cuisine (Nature morte avec Ruth Guggenheim), 1946"}

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  {"it":"Ruth: «Ora vi porto in un luogo molto diverso dalle strade newyorkesi e dai negozi pieni di persone. Una piccola stanza così ricca di colori e di oggetti da rendere quasi difficile\ndistinguerli tutti. Sono molto legata a questo quadro perchè sulla destra ci sono proprio io, Ruth e un po’ più in alto, quasi come se stesse galleggiando in aria, c’è Pietro, il nostro primogenito. Come vedi non sono più una giovane ragazza ma una donna. Se guardi ancora più da vicino vedrai che ho un’espressione concentrata e un po’ seria. Per forza! A quel punto io e Antine avevamo già affrontato mille difficoltà! Pochi anni dopo che ci eravamo conosciuti anche in Italia vennero approvate le leggi razziali e per gli ebrei la vita divenne ancora più difficile. Così io e Antine, pur di stare insieme, decidemmo di scappare insieme in America. Sembra una vera avventura ma in realtà fu molto difficile: Antine non parlava bene l’inglese e fece molta fatica a trovare un lavoro. Io invece lo conoscevo un po’ meglio e cominciai a lavorare in una fabbrica e poi come bambinaia. Pian piano le cose migliorarono: Antine trovò un lavoro che gli piaceva tantissimo, come grafico per le riviste americane e conoscemmo alcuni dei più grandi artisti e architetti di quel tempo, tra cui Le Corbusier che divenne suo grande amico. Il quadro che hai davanti al naso è proprio di quel periodo: la nostra casa era il suo rifugio. In questo dipinto mi vedi mentre preparo da mangiare, circondata da piatti, frutta, bottiglie. Potrebbe sembrare una scena comune, come quella che vedi a casa tua ogni giorno. Eppure, per Antine, questo era un soggetto importantissimo: la vita quotidiana, la cura per gli altri. Se guardi il quadro più da vicino scoprirai molti dettagli: la nostra cena, la lampada che pende dal soffitto ma anche i pennelli e la tavolozza che Antine usava tutti i giorni. Anche i colori mi ricordano una coperta calda e mi fanno subito sentire a casa. La prossima opera ve la racconterà Titunu, ormai la conosce benissimo ed è una delle sue preferite.»","en":"Ruth: \"Now I’m going to take you to a very different place from the streets of New York and shops full of people. A small room so rich in colours and filled with objects that it’s difficult to make them all out. I am very attached to this painting because on the right you can see me, Ruth and a little higher up, almost as though suspended in mid-air, is Pietro, our first child. As you can see, I am no longer a young girl but a woman. If you look a bit closer you will see I am wearing a concentrated and rather serious expression. No wonder! By this stage Antine and I had already faced thousands of difficulties! A few years after we met, racial laws were introduced even in Italy and life for Jews became even more difficult. For this reason, and so we could stay together, Antine and I decided to escape together to America. It seemed like a real adventure, but in actual fact it was very difficult: Antine did not speak English well and he struggled to find work. I, on the other hand, knew English a bit better and started working in a factory and then as a nanny. Little by little things improved: Antine found a job that he enjoyed very much, as a graphic designer for American magazines and got to know some of the great artists and architects of the time, including Corbusier, who became a great friend. The painting you see before you dates back to this period: our home was his refuge. In this picture you can see me preparing a meal, surrounded by plates, fruit and bottles. It may seem like an everyday scene, such as you would see in your own home on any day. However, for Antine, this was a very important subject: everyday life, care for others. If you look at the painting more closely, you will see many details: our dinner, the lamp which hung from the ceiling but also the brushes and the palette that Antine used every day. The colours also remind me of a warm blanket and make me feel at home. Titinu will tell you about the next work, since by now he knows it very well and it is one of his favourites.\"","fr":"Ruth: «Maintenant, je vais vous emmener dans un endroit très différent des rues de New York dalle et des magasins bondés. C’est une petite pièce tellement riche de couleurs et remplie d’objets qu’il est presque difficile de tous les distinguer. Je suis très attachée à ce tableau parce que là, sur le côté droit, c’est moi, Ruth, et un peu plus haut, il y a Pietro, notre premier enfant, qui semble presque flotter dans l’air. Comme tu peux le voir, je n’étais plus une jeune fille, mais une femme. Si tu l’observes de plus près, tu verras que j’ai une expression concentrée, un peu sérieuse. C’est normal ! A cette époque-là, Antine et moi avions déjà dû faire face à tant de difficultés! Quelques années après l’avoir connu, les lois raciales sont entrées en vigueur aussi en Italie et la vie est devenue encore plus difficile pour les Juifs. Alors, pour ne pas nous séparer, Antine et moi avons décidé de partir aux Etats Unis. L’on pourrait imaginer cela comme une aventure passionnante, mais, en réalité, tout a été très difficile: Antine ne parlait pas bien anglais et a eu le plus grand mal à trouver du travail. Moi, je le connaissais un peu mieux et j’ai commencé à travailler d’abord dans une usine, puis comme garde d’enfants. Peu à peu notre situation s’est améliorée: Antine a trouvé un travail qui lui plaisait énormément, en tant que graphiste pour des revues américaines, et nous avons eu l’occasion de rencontrer certains parmi les plus grands artistes et architectes de l’époque, parmi lesquels Le Corbusier, qui est devenu son grand ami. Le tableau que tu as sous les yeux remonte justement à cette époque-là : Il avait trouvé refuge dans notre maison. Dans ce tableau, je cuisine  entourée de plats, de fruits et de bouteilles. Cela pourrait être une simple scène de la vie de tous les jours, comme tu en vois certainement chez toi, mais pour Antine il s’agissait d’un sujet de la plus grande importance : la vie quotidienne, prendre soin des autres. Si tu regardes le tableau de plus près, tu découvres une multitude de détails : notre dîner, la lampe suspendue au plafond, les pinceaux et la palette qu’Antine utilisait tous les jours. Les couleurs sont pour moi comme une couverture douce et chaude. Je me sens comme à la maison. La prochaine œuvre c’est Titinu qui va la décrire, parce qu’il la connaît parfaitement, désormais et c’est une de celles qu’il préfère.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 2","en":"Detailed content of the collection post 2"}


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updated_at: 2025-12-31 11:51:56
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  {"it":"Figura femminile, dalla serie Gli antenati, 1952","en":"Female figure, of “The ancestors”, 1952","fr":"Figure de femme, d’après “Gli antenati”, 1952"}

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  {"it":"«Titinu: Di questa figura vorrei parlarvi io perchè la prima volta che l’ho vista ho pensato che fosse un po’ come un mistero da scoprire. Come se Nivola stesse cercando di dirmi qualcosa che però, a prima vista, mi sfuggiva. Il colore mi ricordava quello di un chiodo che viene lasciato all’aperto per molto tempo e si arrugginisce. La figura  all’inizio mi intimoriva un po’, poi ho notato che si curvava verso di me, come in un abbraccio verso tutto quello che gli stava davanti. Ho guardato il cartellino che gli stava a fianco sicuro che mi avrebbe aiutato: in piccolo c’era scritto “Figura femminile dalla serie “Gli Antenati”. Io sapevo che gli antenati erano come i nonni dei nonni, persone vissute molto tempo prima di noi. Quindi, nell’idea di Nivola, quella figura era come una nonna di un’epoca molto molto lontana. La cosa più curiosa è che però Nivola, per crearla, non aveva utilizzato una pietra, scolpito un sasso, usato un materiale che sicuramente esisteva anche tantissimo tempo fa. No, lui aveva utilizzato del ferro, una lamiera mi ha poi spiegato Ruth, che era un materiale comunissimo a New York e in Italia e si usava per costruire grattacieli e palazzi modernissimi. In questa figura si uniscono così due mondi molto diversi, i nonni dei nonni, un tempo molto antico e un materiale moderno che le persone della stessa età di Nivola vedevano e usavano tutti i giorni. Forse era il suo modo per dirci che anche nelle nostre vite veloci e tecnologiche restiamo legati con un filo sottile a tutte le persone che sono venute prima di noi e che hanno sognato, desiderato e si sono poste delle domande proprio come facciamo noi. Ma questa è solo la mia idea ed è possibile che mi sbagli! Sono molto curioso di sapere cosa ne pensate voi, cosa vi ricorda questa figura e come vi fa sentire.»","en":"Titinu: \"I would like to speak to you about this figure, because the first time I saw it, I thought it was something of a mystery to be uncovered. It is as if Nivola himself was trying to tell me something that I missed initially. The colour reminds me of a nail which has been left outside for a long time and is rusting. At first, I found the figure a bit intimidating, but then I noticed that it curved towards me, as though embracing everything which stood before it. I looked at the label beside it, sure that it would be able to help me: in small script was written: female figure from the series “The Ancestors”. I knew that the ancestors were like our great-great grandmothers, people who lived a long time before us. So, in Nivola’s imagination, this figure was like a grandmother from a time long, long ago. The most curious feature though that that in creating it, Nivola did not use stone, or carve rock, working in materials that had certainly existed since ancient times. No, he used iron, sheet metal as Ruth explained to me later, which was a very common material in New York and in Italy and used for building skyscrapers and ultra-modern buildings. Two different worlds are thus united in this figure, the great-great grandmothers, a long-ago time and a modern material which contemporaries of Nivola would have used every day. Perhaps it was his way of saying that even in our fast-paced, technological lives we remain linked by a slender thread to all those who came before us who dreamed, longed and asked questions just as we do. But this is just my opinion and it’s possible that I am wrong! I would be very interested to know what you think, what does the figure remind you of and how does it make you feel.\"","fr":"Titinu: «J’ai vraiment envie de vous parler de cette figure, car, la première fois que je l’ai vue j’ai pensé qu’elle était une sorte de mystère à découvrir. Comme si Nivola avait cherché à me dire quelque chose qui m’’échappait, à première vue. Sa couleur évoquait celle d’un clou rouillé, qui aurait été laissé longtemps à l’air libre. Au début, cette  figure me faisait un peu peur, puis j’ai remarqué qu’elle se penchait vers moi, comme pour enlacer tout ce qui se trouvait devant elle. J’ai regardé le cartel placé à côté de l’œuvre, car j’étais sûr d’y trouver un indice qui m’aiderait à comprendre : il mentionnait, en petit,  “Figure de femme de la série “Gli Antenati” (Les Ancêtres). Je savais que les ancêtres étaient comme les grands-parents de nos grands-parents, des personnes qui avaient vécu longtemps avant nous. Donc, selon Nivola, cette figure était comme une grand-mère venant d’une époque très lointaine. Mais, la chose la plus intéressante était que, pour la créer, Nivola n’avait pas utilisé une pierre, n’avait pas sculpté une roche, ni utilisé un matériau très ancien. Non, il avait utilisé du fer, un morceau de tôle qui, comme me l’a expliqué ensuite Ruth, était un matériau très courant à New York et en Italie. On l’utilisait pour construire des gratte-ciels et des immeubles incroyablement modernes. Cette figure réunit donc en elle deux mondes très différents, les grands-parents des grands-parents, une époque très ancienne et un matériau très moderne que les contemporains de Nivola voyaient et utilisaient tous les jours. C’était peut- être sa façon de nous dire que même à une époque marquée par la vitesse et les prouesses technologiques nous sommes liés par un fil à toutes les personnes  qui sont nées avant nous et qui ont rêvé, désiré et se sont interrogées comme nous. C’est juste ce que je pense et je peux me tromper! J’aimerais beaucoup savoir ce que vous en pensez, vous,  ce qu’évoque pour vous cette figure et ce que vous ressentez.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 3","en":"Detailed content of the collection post 3"}


created_at: 2025-12-31 11:51:56
updated_at: 2025-12-31 11:51:56
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  {"it":"Bozzetto per la facciata della Mutual Insurance Company of Hartford, 1957-1958","en":"Façade sketch Hartford, Connecticut, 1957-1958","fr":"Ebauche pour la façade Hartford, Connecticut, 1957-1958"}

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  {"it":"Ruth: «Rieccovi! Vi stavo aspettando. Ci troviamo di fronte a… come dici? Tu, là in fondo con la frangetta, quest’opera ti ricorda… un muro? Un muro un po’ particolare con delle forme, delle fossette, delle figure? Io non me la prendo di certo e sono sicura che anche Antine si farebbe una bella risata perché non hai proprio torto. Quest’opera speciale è realizzata proprio in cemento, lo stesso dei muri di casa o dei cordoli dei marciapiedi. Antine lo conosceva bene perché quando era ancora piccolo aveva cominciato a lavorare come manovale e poi come muratore, come il suo babbo. Devi sapere che Orani era famosa per i suoi muratori e lui lo è stato. Poi aveva preso un’altra strada, si era innamorato dell’arte ma quello che aveva imparato a Orani non l’ha mai dimenticato. Così ha trovato un modo per unire il lavoro di muratore e quello di artista. Vuoi sapere un altro segreto? La tecnica che Antine ha utilizzato per quest’opera l’aveva scoperta giocando! Sì, avete capito bene, giocava con i nostri due bambini al mare con la sabbia, come fate anche voi d’estate e così gli è venuta l’idea di utilizzarla come stampo. Creava un disegno sulla sabbia e poi, piano piano, ci faceva colare sopra il cemento. Quando il cemento era asciutto lo staccava e restavano impresse tutte queste figure che vedete. Gli architetti adoravano queste opere! Perché erano opere artistiche ma resistenti, dello stesso materiale dei palazzi che stavano costruendo e si potevano trasportare senza rischi. Così ebbero tantissimo successo e Antine ne creò molte per tantissimi palazzi in America. Il suo era anche un modo di dire che l’arte poteva stare ovunque: sui palazzi del governo, negli uffici, in mezzo alle città. L’arte e la bellezza secondo lui dovevano essere a disposizione di tutti e potevano migliorare la società. Era un grande sogno e Antine non ha mai smesso di coltivarlo.»","en":"Ruth: \"There you are again! I was waiting for you. We are now in front of… what did you say? You, there at the back with the fringe, what does this work remind you of… a wall? A rather unusual wall with shapes, little hollows, figures? I don’t mind at all and I am sure that even Antine would have a good laugh, because you are quite right. This work is created in concrete, the same material as house walls and pavement kerbs. Antine knew it well because when he was still young, he started work as a labourer and later a mason, like his father. You should know that Orani was famous for its masons of which he was one. He later chose another path, and fell in love with art, but he never forgot what he had learned in Orani. He thus found a way of combining the work of a mason with that of an artist. Would you like to know another secret? Antine discovered the technique that he used for this work through play! Yes, you heard right, he was playing in the sand at the seaside with our two children, as one does in the summer, and this gave him the idea of using it as a mould. He would create a design in the sand and then, little by little, pour cement over it. Once the cement had dried, he would lift it away and the figures that you see would be imprinted upon it. Architects loved these works! Because they were works of art, but hard-wearing, made of the same material as the buildings being constructed and could be safely moved. This was hugely successful and Antine created many for a great number of buildings in America. It was also his way of saying that art could be anywhere: on government buildings, offices, in the heart of the cities. According to him, art and beauty should be accessible to everyone and can improve society. It was a grand dream and Antine never stopped nurturing it.\"","fr":"Ruth: «Ah, vous revoilà! Je vous attendais. Nous nous trouvons devant... qu’est-ce que tu dis? Oui, toi, là-bas, avec une frange, cette œuvre te fait penser à un  mur? Un mur un peu spécial avec des formes, des creux, des figures? Je ne me vexe certainement pas et je suis sûre que cela ferait sourire aussi Antine, parce que tu n’as pas complètement tort. Cette œuvre un peu particulière a été justement réalisée en béton, le même matériau que l’on utilise pour construire les murs des maisons ou les bords des trottoirs. Antine le connaissait bien, parce que, quand il était encore très jeune, il avait commencé à travailler d’abord comme manœuvre, puis comme maçon, comme son père. En effet, le village d’Orani était bien connu pour ses maçons et Antine a été maçon. Puis, il a emprunté une autre voie, il a découvert l’art et il en est tombé amoureux, sans jamais oublier, toutefois, ce qu’il avait appris à Orani. Ila donc trouvé le moyen de concilier le travail du maçon avec celui d’artiste. Tu veux connaître  un autre secret? Antine avait découvert la technique qu’il a utilisée pour cette œuvre en jouant! Oui, vous avez bien compris, il jouait avec nos deux enfants sur la plage, avec le sable, comme vous le faites sûrement vous aussi, l’été, et c’est ainsi qu’il a eu l’idée de l’utiliser comme moule. Il dessinait une forme sur le sable sur laquelle il coulait, petit à petit, du ciment. Lorsque le ciment était sec, il le détachait : toutes les figures que vous voyez ici restaient gravées sur le ciment. Les architectes adoraient ces œuvres, parce qu’il s’agissait de travaux artistiques qui étaient réalisés avec le même matériau utilisé pour les immeubles qu’ils étaient eux-mêmes en train de bâtir et que l’on pouvait transporter sans risques. Ces œuvres ont eu un énorme succès : Antine en a créé  beaucoup, pour de nombreux immeubles, aux Etats Unis. C’était aussi sa façon de dire que l’art était chez lui n’importe où : sur des bâtiments officiels, dans des bureaux, dans les villes. Il était persuadé que l’art et la beauté devaient être accessibles à tout le monde et pouvaient améliorer la société. C‘était un…. Illisible… et il n’a jamais cessé de le cultiver.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 4","en":"Detailed content of the collection post 4"}


created_at: 2025-12-31 11:51:56
updated_at: 2025-12-31 11:51:56
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  {"it":"Figura maschile, Pastore Sardo, 1966","en":"Male figure, Sardinian Shepherd, 1966","fr":"Figure d’homme, Pastore Sardo, 1966"}

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  {"it":"Titinu: «Un’altra opera, un altro materiale: questa volta un tessuto, come un tappeto disegnato. Anche voi come me vi siete chiesti: ma quante cose sapeva fare questo Nivola? Il cemento, la pietra, la sabbia, il ferro e ora anche la stoffa. Però devo rivelarvi che qui ha avuto un aiutino. Come vi raccontava Ruth a Nivola piaceva molto l’idea che l’arte entrasse nella vita di tutti i giorni, negli uffici e nelle case. Lui però era uno scultore e non tutti hanno spazio per delle sculture in casa, senza contare che pesano molto e potrebbero rompersi. Così ne parlò con un suo caro amico architetto che si chiamava Le Corbusier, che gli diede un suggerimento geniale: perché non rendi le tue sculture leggere e sottili? Una bella idea per il mondo moderno in cui le persone cambiano spesso casa e gli spazi sono piccoli. Nivola lo prese in parola e fece diversi disegni delle sue sculture e poi li inviò a un piccolo paese della Sardegna che si chiama Sarule ed è famoso per le sue tessitrici. La sua idea era trasformare le sculture di pietra in arazzi, che sono come dei grandi tappeti che si appendono ai muri. Quello che vedi appeso davanti a te è proprio uno di quegli arazzi. Nivola qui ha disegnato un pastore sardo, forte e solido mentre accompagna il suo gregge per i campi e le montagne. Anche se in quel periodo viveva negli Stati Uniti non ha mai dimenticato le colline intorno a Orani, le campane delle pecore, i muretti a secco. Disegnare queste figure era un po’ come dire: “Non mi dimentico da dove vengo.” Quando l’arazzo fu finito le tessitrici di Sarule che lo avevano realizzato dissero che era davvero bello, per Nivola fu un grande complimento.»","en":"Titinu: \"Another work, another material: this time in textile, like a patterned rug. Like me, you must be wondering: but how many things did Nivola know how to do? Cement, stone, sand, metal and now also textiles. Perhaps I should tell you that here he had a little help. As Ruth said of Nivola, he very much liked the idea of art becoming part of everyday life, in offices and homes. He was also a sculptor, and not everyone has space for sculptures at home, besides the fact that they are very heavy and can break. So, he spoke about this with a dear architect friend named Corbusier, who came up with a brilliant suggestion: why not make your sculptures light and supple? This was a terrific idea for the modern world where people move house often and spaces are small. Nivola took him at his word and made various designs of his sculptures and sent them to a little town in Sardinia called Sarule, famous for its weavers. His idea was to turn the stone sculpture into woven tapestries, which are like large carpets which hang on walls. What you see in front of you is one of these tapestries. Here Nivola depicts a Sardinian shepherd, strong and sturdy, as he leads his flocks across meadows and mountains. Even though he was living in the United States at that time, he never forgot the hills around Orani, the sound of the sheep bells and the dry-stone walls. Designing this figure was a way of saying: “I do not forget where I come from.” When the tapestry was complete, the weavers of Sarule who had made it, said that it was truly beautiful, which Nivola took as a great compliment.\"","fr":"Titinu: «Voici une autre œuvre et un autre matériau : cette fois-ci il s’agit d’un tissu, une sorte de tapis dessiné. Vous aussi vous allez vous demander, comme moi : mais combien de choses différentes savait-il  faire, ce Nivola ? Le béton, la pierre, le sable et le fer, et maintenant le tissu aussi. A ce propos, je dois vous avouer, tout de même, qu’Antine a été un petit peu aidé. Comme Ruth vous l’a raconté, Nivola aimait beaucoup imaginer que l’art puisse rentrer dans la vie de tous les jours, dans les bureaux, dans les maisons, mais c’était un sculpteur et tout le monde n’a pas assez de place, chez lui, pour y installer une sculpture, sans compter que ces œuvres sont très lourdes et peuvent se briser. Il a donc décidé d’en parler à l’un de ses meilleurs amis, un architecte du nom de Le Corbusier, qui lui a donné un conseil vraiment génial : pourquoi n’essaies-tu pas de rendre tes sculptures plus légères et plus fines? C’était une belle idée dans un monde moderne où les gens changent souvent d’habitation et où l’espace est réduit. Nivola l’a pris au mot : il a réalisé plusieurs dessins de ses sculptures et les a envoyés à Sarule, un petit village sarde très connu pour ses tisserandes. Il voulait transformer ses sculptures en pierre en tapisseries, des sortes de grands tapis que l’on peut accrocher au mur. Tu peux en admirer une sur le mur, juste devant toi. Dans cette œuvre, Nivola a dessiné un berger sarde, robuste et solide, qui accompagne son troupeau à travers les champs et les montagnes. Même si à cette époque-là il vivait déjà aux Etats Unis, il n’a jamais oublié les collines qui entourent le village d’Orani, les clochettes des brebis, les murets en pierre sèche. En choisissant de dessiner ce genre de figures, il semblait vouloir dire : “Je n’oublie pas d’où je viens.” Une fois qu’elles ont terminé de tisser cette tapisserie, les tisserandes de Sarule qui l’avaient réalisée ont dit que c’était vraiment un beau travail. Ce compliment a fait vraiment plaisir à Nivola.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 5","en":"Detailed content of the collection post 5"}


created_at: 2025-12-31 11:51:57
updated_at: 2025-12-31 11:51:57
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  {"it":"Pergola Village, progetto per Orani, 1953","en":"Pergola Village, project for Orani, 1953","fr":"Pergola Village, projet pour Orani, 1953"}

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  {"it":"Titinu: «Sono di nuovo io! In queste opere si parla di Orani e dato che vivo proprio qui dovevo assolutamente parlarvene. Questi disegni con foglie, muretti, persone e animali è un grande sogno di Costantino Nivola: si chiama “Pergola Village” che vuol dire, più o meno, paese pergolato. I pergolati sono quelle strutture in legno o in ferro a cui si arrampicano diversi tipi di piante, viti, rose o glicini, in estate le foglie fanno ombra mentre d’inverno cadono lasciando passare la luce. Ecco, Nivola ha immaginato che tutte le case di Orani fossero collegate da dei pergolati così che camminare per il paese diventasse come camminare in un giardino, al fresco e circondati da foglie e fiori. È un’idea meravigliosa che va oltre la scultura, oltre la pittura e tutte le altre cose che aveva fatto fino a quel momento. In questo progetto le persone possono chiacchierare sedute fuori casa senza bruciarsi al sole o bagnarsi troppo quando piove. Nivola, che era partito da questo piccolo paese per arrivare fino a New York, non si è mai dimenticato di Orani. Anzi, più era lontano, più ci pensava. Diceva di sentirsi come un anello staccato dalla sua catena. Disegnando questo progetto, voleva regalare al suo paese una specie di abbraccio fatto di case, colori e piante accrescendo così il senso di comunità e di unione tra gli abitanti. Se guardi le altre tavole troverai molte altre caratteristiche di Orani che Antine ricordava bene dalla sua infanzia: donne che fanno il pane e lo infornano, asinelli che trasportano la legna. Il progetto che vedi fu pubblicato su un’importante rivista in America: lì, persone che non avevano mai sentito nominare Orani si sono messe a studiare queste casette sarde tutte coperte di verde.»","en":"Titinu: \"It’s me again! This work concerns Orani and since I live here, I simply have to tell you about it. These drawings with leaves, walls, people and animals represented the great dream of Costantino Nivola: it is called “Pergola Village” which translates, more or less, as pergola-covered village. Pergolas are structures in wood or iron over which various plants climb, vines, roses or wisteria, where leaves provide shade in the summer while allowing light to shine through in winter when the leaves fall. Here, Nivola imagines all the houses in Oriani would be linked by pergolas so that walking through the village would be like walking through a garden, cool and surrounded by leaves and flowers. It is a wonderful idea that goes beyond sculpture, beyond painting, and beyond anything he had done up to that moment. This project would enable people to chat outside their homes without getting burned by the sun or getting to drenched when it rains. Nivola may have left this little village to travel to New York, but he never forgot Orani. On the contrary, the further away he was, the more he thought about it. He said he felt like a link detached from its chain. In designing this project, he wanted to gift his village a kind of embrace made from houses, colours and plants, strengthening the sense of community and belonging between the inhabitants. If you look at the other panels you will see many other features of Orani that Antine remembered clearly from his childhood: women making bread and placing it in the oven, donkeys carrying wood. The project you see here was published in an important American magazine: there, people who had never heard of Orani began to study these small Sardinian houses, all covered with greenery.\"","fr":"Titinu: «Hello, c’est encore moi! Ces œuvres parlent d’Orani et comme je vis ici je ne pouvais pas ne pas vous en parler moi aussi. Ces dessins avec des feuilles, des murets, des personnes et des animaux représentent un grand rêve de Costantino Nivola, intitulé “Pergola Village”. Cela veut dire à peu près « le village à la treille ». Les treilles sont des structures en bois ou en fer sur lesquelles grimpent différents types de plantes, de la vigne, des rosiers ou de la glycine : l’été, les feuilles de ces plantes apportent de l’ombre, tandis qu’en hiver elles tombent, laissant passer la lumière. Nivola a imaginé que toutes les maisons d’Orani étaient reliées par des treilles et que l’on pouvait traverser le village comme si on se promenait dans un jardin ombragé, entourés de feuilles et de fleurs. C’est une idée magnifique, qui va bien au-delà de la sculpture, de la peinture et de toutes les autres choses qu’il avait faites jusqu’ là. Dans ce projet, les gens peuvent bavarder tranquillement, assises sur le seuil de leurs maisons sans brûler au soleil ou sans être trop mouillées par la pluie. Nivola, qui était parti de ce petit village pour aller à New York, n’avait jamais oublié Orani. Bien au contraire : plus il en était loin, plus le souvenir était intense. Il disait qu’il se sentait comme  un maillon détaché de sa chaîne. Par ce projet, il voulait offrir à son village une sorte d’étreinte faite de maisons, de couleurs et de plantes en rendant, ainsi, encore plus fort le sentiment d’appartenance et d’union entre les habitants. Si tu regardes les autres planches, tu découvriras bien d’autres éléments caractéristiques d’Orani qu’Antine gardait en mémoire depuis l’enfance : des femmes qui fabriquent le pain et le mettent à cuire au four, des ânes qui transportent le bois. Le projet que tu vois ici a été publié par une célèbre revue américaine : ainsi, des personnes qui n’avaient jamais entendu parler d’Orani se sont mises à étudier ces petites maisons sardes recouvertes de verdure.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 6","en":"Detailed content of the collection post 6"}


created_at: 2025-12-31 11:51:57
updated_at: 2025-12-31 11:51:57
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  {"it":"Tre dipinti della serie Ritratti di sculture, 1975","en":"Three works from the Portraits of sculpture series, 1975","fr":"Trois tableaux de la série Ritratti di sculture/Portraits de sculptures, 1975"}

description:
  {"it":"Ruth: «In questa sala succede qualcosa di curioso: Antine non ritrae persone, ma… le sue stesse sculture. È come se avesse preso le opere tridimensionali che aveva già creato – quelle fatte di cemento, pietra o altri materiali – e avesse deciso di guardarle di nuovo, questa volta con gli occhi del pittore. I dipinti che vedi fanno parte della serie che lui chiamava “Ritratti di sculture”. Quando trasformi una scultura in un dipinto, molte cose cambiano: la profondità diventa superficie, le ombre diventano colore, il volume viene tradotto in linee. Nivola usava questa trasformazione per capire meglio le sue stesse forme: le tagliava con lo sguardo, le semplificava, le esagerava, a volte le rendeva quasi irriconoscibili. Era un dialogo continuo tra il suo lavoro di scultore e quello di pittore. Osservando questi tre dipinti, puoi provare a immaginare quali parti corrispondano a curve, a spigoli, a rientranze delle sculture originali. Ma non è importante indovinare con precisione: quello che conta è cogliere il modo in cui il colore sostituisce la materia. Le tinte sono spesso intense, non realistiche, perché non vogliono imitare la superficie della scultura; vogliono raccontare la sua energia interna, il suo carattere. In un certo senso, questi quadri sono anche un esercizio di memoria: Antine guarda indietro alla sua produzione, la ripercorre, la riassume, la ricrea su tela. È come se scrivesse il ritratto di una persona che conosce benissimo – se stesso – usando però, al posto delle parole, le forme delle sue opere.»","en":"Ruth: \"Something curious happens in this gallery: Antine does not portray people, but… his own sculptures. It is as if he has taken the three-dimensional works that he had already created – that he had made from cement, stone or other materials – and decided to look at them in a new way, this time with a painter’s eye. The paintings which you see here are part of the series which he called “Portraits of sculptures”. Many things change when a sculpture is turned into a painting: depth becomes surface, shadow becomes colour, volume is restated in lines. Nivola used this transformation to understand his own shapes better: his gaze cut through them, simplified them, exaggerated them, at times rendered them unrecognisable. It was a continual dialogue between his work as a sculptor and that as a painter. As you look at these three paintings, try to imagine which parts correspond to curves, recesses and indentations in the original sculptures. But it is not important to make an exact guess: what is important is to understand the way in which colour substitutes for materials. The shades are often intense and unrealistic, because they are not intended to replicate the surface of the sculpture; they seek to portray their internal energy, its character. In a certain sense, these paintings are also an act of remembrance: Antine looks back at his own body of work, retraces it, distils it, recreates it on canvas. It is as if he were writing a description of a person he knew intimately – himself – but, instead of words, he used the forms of his own works.\"","fr":"Ruth: «Un drôle de phénomène se produit dans cette salle : Antine n’a pas peint le portrait de personnes... mais celui de ses propres sculptures. C’est comme s’il avait décidé de jeter un nouveau regard sur les œuvres tridimensionnelles qu’il avait déjà créées – en béton, en pierre ou dans d’autres matériaux – avec des yeux de peintre. Les peintures que tu vois ici font partie de la série intitulée “Portraits de sculptures” Lorsque l’on transforme une sculpture en une peinture, cela change beaucoup de choses : la profondeur devient surface, les ombres deviennent couleur, le volume se traduit par des lignes. Nivola se servait de cette transformation pour mieux comprendre ses propres formes : il les découpait avec le regard, les simplifiait, les amplifiait, en les rendant, parfois, méconnaissables. C’était un dialogue permanent entre son travail de sculpteur et celui de peintre. En observant ces trois tableaux, tu peux essayer d’imaginer les parties qui correspondent aux courbes, celles qui correspondent aux angles ou aux creux des sculptures d’origine. Il n’est pas nécessaire de les identifier avec précision : ce qi compte c’est de comprendre de quelle manière la couleur remplace la forme. Les couleurs sont souvent intenses, elles ne sont pas réalistes, car elles ne prétendent pas imiter la surface de la sculpture ; elles veulent tout simplement parler de son énergie interne, de son caractère. Par certains côtés, ces tableaux sont également un exercice de mémoire : Antine jette un regard rétrospectif sur sa production, la retrace, la résume, et la recrée sur toile. C’est comme s’il faisait, par écrit, le portrait d’une personne qu’il connaît parfaitement – à savoir lui-même – en utilisant, à la place des mots, les formes de ses œuvres.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 7","en":"Detailed content of the collection post 7"}


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updated_at: 2025-12-31 11:51:57
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  {"it":"Modello per un monumento alla bandiera americana, anni Ottanta","en":"Models for an American flag monument, 1980s","fr":"Modèles pour le monument au drapeau américain, années 1980"}

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  {"it":"Ruth: «Orani era la prima casa di Antine, lì aveva la sua famiglia e i ricordi della sua infanzia, ma anche gli Stati Uniti per noi sono stati importantissimi. Lì abbiamo vissuto per quasi tutta la nostra vita adulta, cresciuto i nostri bambini, sperimentato e creato. Non eravamo diversi dalle moltissime persone che partivano cercando il “sogno americano”, possibilità e benessere. Come hai visto Antine ha sperimentato un po’ di tutto: pittura, scultura, architettura. In questo caso aveva immaginato un grande monumento che rappresentava il simbolo americano per eccellenza: la sua bandiera. La sua idea era di creare una bandiera americana gigantesca: le onde che vedi sarebbero diventate muri e le stelle delle altissime colonne. Prova ad avvicinarti con gli occhi. Le strisce non sono lisce: somigliano a onde di mare o a dune scolpite dal vento. Le stelle, invece, non sono stampate ma diventano piccole forme tridimensionali in cima a tante aste sottili, come se stessero facendo un salto verso il cielo. È un trucco che Nivola usava spesso: prendere qualcosa di piatto e farlo esplodere nello spazio, così che tu non possa più limitarti a guardarlo da un solo lato ma debba girargli intorno. Le persone avrebbero potuto camminarci in mezzo liberamente come potevano inseguire il loro sogno in quella terra delle opportunità. La parte più impressionante erano sicuramente le cinquanta colonne a forma di stelle che rappresentavano i cinquanta stati americani. Antine non ha mai guardato gli Stati Uniti a occhi chiusi: conosceva le sue ingiustizie, i suoi difetti. Allo stesso tempo New York, Long Island sono state la nostra seconda casa e lui voleva ricordarla con questo monumento.»","en":"Ruth: \"Orani was Antine’s first home, where his family lived and his childhood memories were formed, but the United States were also extremely important for us. We lived there for almost all our adult lives, raised our children, experimented and created. We were no different from the many persons who set out in pursuit of the “American dream”, opportunity and prosperity. As you have seen, Antine tried his hand at many things: painting, sculpture, architecture. In this instance, he imagined a huge monument which represented the American symbol for excellence: its flag. His plan was to create a gigantic American flag: the waves which you see would become walls and the stars would become soaring columns. Bring your eyes closer. The stripes are not smooth: they resemble the waves of the sea or dunes sculpted by the wind. The stars, however, are not flat, but have become tiny three-dimensional forms on top of so many slim columns, so that they seem to be leaping towards the sky. It is a trick that Nivola often used: taking something flat and making it explode into space, something that cannot only be viewed from one side only because one must move around it. People would have been able to walk through them as freely as they would have been able to pursue their dreams in this land of opportunity. The most impressive element would certainly have been the fifty columns that formed the stars which represented the fifty American states. Antine did not look at the United States with his eyes closed: he was aware of its injustices and its faults. At the same time New York, Long Island had become our second home and he wished to memorialise it with this monument.\"","fr":"Ruth: «Orani a été la première maison d’Antine, c’est là qu’habitait sa famille et que vivaient les souvenirs de son enfance, mais les Etats Unis aussi ont été très importants pour nous. C’est là que nous avons vécu pendant presque toute notre vie d’adultes, c’est là que nous avons élevé nos enfants, que nous avons fait nos expériences et créé nos œuvres. Nous étions différents des milliers de personnes qui quittaient leurs pays à la recherche du “rêve américain”, d’opportunités et d’une meilleure vie. Comme tu as pu le constater, Antine a essayé un peu tout : la peinture, la sculpture, l’architecture. Dans ce cas, il avait imaginé un grand monument représentant le rêve américain par excellence : le drapeau américain.  Il avait imaginé un énorme drapeau des Etats Unis : les vagues que tu voies devaient se transformer en murs et les étoiles devaient devenir de très grandes colonnes. Essaie de regarder de plus près. Les rayures ne sont pas lisses : elles évoquent les vagues de la mer ou des dunes sculptées par le vent. Les étoiles, en revanche, ne sont pas gravées, mais elles se transforment en petites formes tridimensionnelles placées en haut d’une série de perches très fines, comme si elles voulaient s’élancer, en sautant, vers le ciel. C’est une astuce à laquelle Nivola recourait souvent : cela consistait à faire exploser dans l’espace une forme  plate, de manière à ce que l’on ne puisse plus se limiter à la regarder d’un seul côté et que l’on soit obligé de tourner autour d’elle. Les gens auraient pu marcher au milieu de ces formes de la même manière qu’elles pouvaient poursuivre leur rêve sur cette terre aux mille opportunités. L’élément le plus impressionnant était certainement constitué par les cinquante colonnes en forme d’étoiles représentant les cinquante états américains. Antine n’a jamais fermé les yeux sur les injustices et les défauts qu’il avait constatés aux Etats Unis, mais New York, Long Island, ont été notre deuxième maison et il voulait leur rendre hommage par ce monument.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 8","en":"Detailed content of the collection post 8"}


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updated_at: 2025-12-31 11:51:57
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  {"it":"La città incredibile I, 1979","en":"The incredible city I, 1979","fr":"La città incredibile/La ville incroyable, 1979"}

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  {"it":"Ruth: «Fermati un attimo davanti a questo quadro. All’inizio sembra solo un enorme groviglio nero: linee, riccioli, quadratini che si incastrano uno sull’altro. Ma se stringi un po’ gli occhi, succede qualcosa: quei\nsegni diventano palazzi, finestre, strade, macchine, persone piccolissime bloccate nel traffico. È una città che esplode di movimento, rumore, confusione. È New York, vista attraverso gli occhi di Antine. Quando siamo arrivati lì, scappando dall’Europa per via delle leggi razziali, tutto ci sembrava incredibile: i grattacieli altissimi, le luci, i ponti, le persone di ogni parte del mondo che camminavano fianco a fianco. Antine era affascinato: appena arrivato dipingeva New York continuamente come se disegnandola potesse capirla meglio. Questo quadro però è molto successivo, Antine ormai vedeva anche l’altro lato: il traffico che non finisce mai, la gente che corre senza guardarsi, le ingiustizie e la povertà nascoste dietro le vetrine luccicanti. In questo quadro non finge che sia tutto perfetto: ti mostra una città bellissima… ma anche stancante, complicata, a volte spietata. È una città di grandi palazzi e con persone da tutto il mondo: riesci a riconoscere tutte le bandiere che Antine ha dipinto? La sua “città incredibile” è un po’ un avvertimento: ci dice che le città sono meravigliose, ma che abbiamo bisogno di fermarci ogni tanto, di non perderci nel groviglio. Guardando questo quadro forse scopri qualcosa che non avevi mai pensato: anche il caos può essere disegnato, osservato, capito. E, soprattutto, possiamo domandarci che tipo di città vogliamo costruire noi, da grandi.»","en":"Ruth: \"Pause for a moment in front of this painting. To start with, it seems like an enormous black tangle: lines, curls, interlocking squares. But if you narrow your eyes a bit, something happens: those scribbles become houses, windows, streets, cars, tiny figures trapped in traffic. It is a city bursting with movement, noise, confusion. It is New York seen through the eyes of Antine. When we arrived there, fleeing from Europe because of its racial laws, everything seemed incredible: the soaring skyscrapers, lights, bridges, people from all parts of the world walking side by side. Antine was fascinated: from the moment he arrived he painted New York continually, as if by drawing it, he could come to understand it better. This painting, however, came from much later, and by then Antine had seen the other side: the unrelenting traffic, people rushing past each other without a glance, the injustices and the poverty hidden behind the glittering shopfronts. He does not pretend that everything is perfect in this painting: he shows you an extremely beautiful city … but also exhausting, complicated and at times ruthless. It is a city of grand buildings and people from all over the world: can you recognise all the flags that Antine painted? His “incredible city” is something of a warning: it tells us that cities are wonderful, but we need to pause from time to time, so as not to get lost in the confusion. As you look at this painting perhaps you will discover something you never thought of before: even chaos can be drawn, observed, understood. And, above all, we must ask ourselves what type of city do we wish to create when we grow up.\"","fr":"Ruth: «Arrête-toi un moment devant ce tableau. E première vue, on dirait un énorme enchevêtrement de formes noires : des lignes, des boucles, de petits carrés emboîtés les uns dans les autres. Mais, si tu plisses un peu les yeux, ces formes deviennent des immeubles, des fenêtres, des routes, des voitures, de tout petits hommes et femmes bloqués dans la circulation. C’est une ville qui explose par son mouvement, son bruit, sa confusion. C’est New York, vu par Antine. Quand nous sommes arrivés à New York après avoir fui l’Europe à cause des lois raciales, tout nous paraissait incroyable : les très hauts gratte-ciels, les lumières, les ponts, les personnes provenant de tant de pays  différents, qui marchaient les unes à côté des autres. Antine était fasciné par tout cela : juste après notre arrivée, il n’arrêtait pas de peindre New York, comme si cela pouvait l’aider à mieux comprendre cette ville. Mais, ce tableau a été peint bien plus tard, quand Antine voyait aussi l’autre côté des choses : la circulation incessante, les gens qui ne font que courir sans prendre le temps de se regarder, les injustices et la pauvreté cachées derrière les vitrines éclairées. Dans ce tableau, il ne fait pas semblant de croire que tout est parfait : il montre une ville très belle... mais épuisante, compliquée et, parfois, sans pitié. C’est une ville aux très hauts immeubles, dans laquelle circulent des gens provenant du monde entier : est-ce que tu reconnais tous les drapeaux peints par Antine? Sa  “ville incroyable” est une sorte de mise en garde : les villes sont magnifiques, \tmais nous devons nous arrêter de temps à autre pour ne pas nous perdre dans leur labyrinthe. En observant ce tableau, tu découvriras peut-être quelque chose que tu n’avais jamais imaginé : le chaos aussi peut être dessiné, observé, compris et, surtout, nous pouvons nous demander quelle sorte de ville nous voulons construire, nous, quand nous seront grands.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 9","en":"Detailed content of the collection post 9"}


created_at: 2025-12-31 11:51:57
updated_at: 2025-12-31 11:51:57
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  {"it":"Madre, da modello, 1981-1985","en":"Mother, from a model, 1981-1985","fr":"Madre/Mère, d’après modèle, 1981-1985"}

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  {"it":"Titinu: «Mia nonna mi ha raccontato una cosa curiosa: che più si diventa grandi, proprio  anziani, più si ripensa a quando si era piccoli e quei ricordi lontanissimi diventano quasi  magici. Io penso che qualcosa del genere sia capitato anche a Nivola che più diventava  grande e più scavava nei suoi primissimi ricordi e lì trovava sempre ispirazione. Questa  grande statua tutta bianca, con una piccola curva al centro lui l’ha intitolata “Madre” e  allora capiamo subito bene cos’è: una mamma che aspetta nel suo grembo il segreto di un figlio meraviglioso. Per crearla lui aveva ripensato alla sua casa di quando era piccolo e al “muro  panciuto” dove si cuoceva il pane. Il pane allora era preziosissimo. La curva nel muro, dove si cuoceva il pane, nascondeva quindi un tesoro, la promossa di appagare la fame una volta per sempre, come una madre nasconde nel suo grembo il segreto di un figlio meraviglioso. Nivola  mescola quindi i suoi ricordi con una figura semplice ma molto potente. Questa  mamma sembra aprirsi in un abbraccio verso tutti quelli che gli stanno davanti. Per  scolpirla Nivola sceglie il marmo, una pietra nobile e durissima. Forse ha scelto proprio per  questo motivo, per dire: l’amore dei genitori non si spezza facilmente.»","en":"Titinu: \"My grandmother told me a strange thing: that the older you become, truly aged, the more you think back to when you were young and those long-ago memories take on an almost magical quality. I think something similar also happened to Nivola and the older he became the more he delved back into his earliest memories where he always found inspiration. This large all-white statue, with a slight curve at its centre, he titled “Mother” and then we immediately understand what it is: a mother holding within her womb the secret of a wonderful child. In creating this, he thought back to his home when he was little and to the “rounded wall” where bread was baked. At the time bread was extremely precious. The curve in the wall, where the bread was baked, thus concealed a treasure, the promise of satisfying hunger once and for all, as a mother hides in her womb the secret of a wonderful child. Thus, Nivola blends his earliest memories, with a simple but extremely powerful figure. This mother seems to open her arms in an embrace towards all those who stand before her. Nivola chose marble for this sculpture, a noble and extremely hard stone. Perhaps he chose it for this very reason: to tell us a parent’s love is not easily broken.\"","fr":"Titinu: «Ma grand-mère m’a dit une chose étonnante : selon elle, plus on vieillit, plus on repense à son enfance et ces souvenirs très lointains deviennent presque magiques. Je crois que c’est arrivé aussi à Constantino Nivola : plus il vieillissait, plus il creusait dans ses souvenirs d’enfance pour y trouver de l’inspiration. Il a intitulé « Mère » cette grande statue toute blanche avec un petit renfoncement au milieu et on comprend tout de suite que c’est une maman qui porte dans son ventre le merveilleux secret d’un enfant. Pour la créer, il avait pensé à la maison de son enfance et au “mur ventru” dans lequel on cuisait le pain. A cette époque, le pain était un bien très précieux. Donc, cette courbe, dans le mur, où l’on cuisait le pain cachait un trésor, la promesse de pouvoir satisfaire sa faim une fois pour toutes, comme une maman cache en son ventre le merveilleux secret d’un enfant. Nivola associe donc ses souvenirs à une figure simple, mais très puissante. Cette maman semble vouloir enlacer toutes les personnes qui la regardent. Pour la sculpter, Nivola a choisi le marbre, une pierre noble et très dure. Peut-être l’a-t-il choisie exprès, pour signifier qu’il est difficile de briser l’amour des parents.»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 10","en":"Detailed content of the collection post 10"}


created_at: 2025-12-31 11:51:57
updated_at: 2025-12-31 11:51:57
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  {"it":"La terra sovrappopolata, 1972","en":"The overpopulated world","fr":"La terra sovrappopolata/La terre surpeuplée, 1972"}

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  {"it":"Ruth: «Questa grande sfera scura sembra, a prima vista, un pianeta misterioso perso nello spazio. Avvicinati un po’ di più con lo sguardo: non è liscia come una palla da gioco, la superficie è piena di piccole forme, curve, solchi, rilievi che si intrecciano. È come se qualcuno avesse modellato tante figure minuscole, una accanto all’altra, finché non c’è più neanche un millimetro di spazio libero. Per questo l’opera si chiama “La terra sovrappopolata”: una terra dove ci sono talmente tante presenze da non poterle più contare una per una. Nivola ha lavorato spesso con materiali duri come il cemento o il marmo, ma qui torna a un modo di modellare molto vicino al gioco: impasta, aggiunge, schiaccia, incide. Immagina le sue mani che girano intorno alla sfera, aggiungendo continuamente piccoli segni, come se stesse scrivendo una storia senza parole. Ogni segno può essere una persona, un animale, una casa, un pensiero. Nessuno è grande, nessuno domina sugli altri: tutti insieme formano la pelle del pianeta. In una scultura come questa sembra chiederci: “Cosa succede alla Terra quando diventiamo sempre di più? Proviamo a fare un gioco: scegli con gli occhi un punto qualsiasi della superficie e fissalo per qualche secondo. Cosa ti sembra di vedere? Un volto, un corpo, un animale, o solo una macchia? Ora sposta lo sguardo, ruota un po’ intorno alla sfera e cerca un altro dettaglio. Capirai che l’opera non finisce mai: più la osservi, più scopri forme nuove. E forse ti verrà voglia di pensare anche a questo: se la Terra vera potesse parlare, che cosa direbbe di noi che la abitiamo tutti insieme, stretti stretti sulla sua superficie?»","en":"Ruth: \"At first glance, this large, dark sphere seems to be a mysterious planet lost in space. If you focus your eyes more closely: it is not smooth like a ball, the surface is covered with small forms, curves, crisscrossing grooves, ridges. It is as if someone has modelled a great many tiny figures, side by side, so that not even a single millimetre of space remains free. This is the reason the work is titled “The overpopulated earth”: an earth on which there are so many beings that they cannot be counted one by one. Nivola frequently worked with hard materials such as cement or marble, but here he returned to a form of modelling much closer to play: kneading, adding, pressing, cutting. Imagine his hands moving around the sphere, continually adding tiny features, as though he was writing a story without words. Every feature would be a person, an animal, a house, an idea. None is large, none dominates over the others: together they form the skin of the planet. He seems to ask though a sculpture such as this: “What will become of the Earth when there are more and more of us? Let’s try and play a game: choose any point on the surface with your eyes and focus on it for a moment. What do you seem to see? A face, a body, an animal or just a blob? Now shift your gaze, move a bit around the sphere and look for another detail. You will realise that the work never ends: the more you look, the more new forms you discover. And perhaps you would like to think about this also: if the earth could speak, what would it say to us all living huddled together on its surface?\"","fr":"Ruth: «Cette grande sphère sombre ressemble, à première vue, à une planète mystérieuse perdue dans l’espace. Mais, regarde-la de plus près : elle n’est pas lisse, sa surface est remplie de petites formes, de courbes, de sillons, de reliefs qui se croisent. C’est comme si on avait voulu modeler un tas de figures minuscules, l’une à côté de l’autre, en ne laissant plus un seul millimètre d’espace libre. C’est la raison pour laquelle cette œuvre a été intitulée “La terre surpeuplée”: parce que la terre est remplie d’un tel nombre de présences qu’il est impossible de les compter une par une. Nivola a souvent travaillé avec des matériaux durs, comme le ciment ou le marbre, mais dans cette œuvre il revient à une technique de modelage beaucoup plus proche du jeu : il pétrit, il ajoute, il écrase, il incise. Essaie d’imaginer ses mains qui tournent autour de la sphère, en ajoutant sans cesse de petits signes, comme s’il était en train d’écrire une histoire sans paroles. Chaque signe peut être une personne, un animal, une maison, une idée. Aucun signe n’est plus grand que les autres, aucun signe ne domine les autres : ensemble, tous ces signes forment la « peau » de la planète. Ce genre de sculpture semble nous demander : “Que se passe-t-il sur terre au fur et à mesure que nous devenons de plus en plus nombreux ? Faisons un jeu : essaie de fixer pendant plusieurs secondes un point de la surface que tu as choisi. Qu’est-ce que tu as l’impression de voir ? Un visage, un corps, un animal, ou juste une tache? Maintenant, déplace ton regard, tourne un peu autour de la sphère et cherche un autre détail. Tu vas te rendre compte que l’œuvre ne se termine jamais : plus tu l’observe, plus tu découvres de nouvelles formes. Et, peut-être, auras-tu envie de penser aussi : si la Terre pouvait parler, que dirait-elle de nous qui l’habitons, tous ensemble, serrés les uns à côté des autres, sur sa surface?”»"}

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  {"it":"Contenuto dettagliato del post della collezione 11","en":"Detailed content of the collection post 11"}


